Con esta exposición, realizada en colaboración con las hijas y herederas del Archivo de Carlos Pérez Siquier para el festival PhotoEspaña 2022, la galería Blanca Berlín rinde homenaje al fotógrafo y al amigo, reuniendo una colección de las series más representativas del que fuera pionero de la vanguardia fotográfica en España y uno de sus autores más irónicos, innovadores y heterodoxos.

Pérez Siquier fundó en 1956, junto a José María Artero, la revista Afal, que congregó a los fotógrafos más significativos de su época, difundiendo la fotografía española fuera de sus fronteras y mostrando en el país la que se realizaba más allá de los Pirineos. En 1958, Edward Steichen, por entonces director del Departamento de Fotografía del MoMA, le invitó a participar, junto a otros exponentes del grupo Afal, en la frustrada exposición colectiva Masterworks of Photography from the Beggining to the Present, lo que significó un valioso reconocimiento de la creación española. El grupo Afal participó, además, en exposiciones en diversas ciudades europeas, entre ellas París, Múnich, Berlín y Moscú, contribuyendo a la divulgación de un lenguaje fotográfico muy distante del trasnochado pictorialismo peninsular vigente hasta ese momento.

En los años 50 se embarcó en su primera serie fotográfica. En el humilde barrio de pescadores de La Chanca retrató la pobreza, y también la belleza, de aquellas personas humildes que le acogieron siempre con generosidad cuando se dejaba ver, cámara al cuello, por sus rincones y calles. La muerte le sorprendió preparando la edición del que sería su libro póstumo, “La Chanca”, recientemente publicado por la Fundación Ibáñez Cosentino, en cuya sede de Olula del Río se fundó en 2017 el Centro Pérez Siquier dedicado enteramente a su obra.

A partir de los 60 empezó a experimentar con la fotografía en color, llegando a ser considerado en Europa como un adelantado de esta modalidad creativa. Su serie, La Playa, iniciada en los años 70, es el resultado de una mirada crítica y alejada de los cánones tradicionales que conecta con la estética hiperrealista del Pop americano. En “la geografía de la carne”, como denominaba con humor a este trabajo, la ironía y el erotismo son los protagonistas de un lenguaje moderno y rompedor, por el que ha llegado a ser reconocido en todo el mundo. De él, escribió Martin Parr en 2013: “En la historia de la fotografía hay algunas imágenes tan radicales que la gente simplemente no sabe dónde situarlas. Las imágenes de playas de Carlos Pérez Siquier resultan ahora tan frescas como el día en que se tomaron, y no hay que olvidar el contexto de la fotografía contemporánea de ese momento, tanto en España como en Europa.”

En 2003 recibió el Premio Nacional de Fotografía y la Medalla de Oro de Andalucía; en 2005, el galardón Pablo Ruiz Picasso de Artes Plásticas; en 2013, el Premio Bartolomé Ros de PhotoEspaña; en 2018, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes. Tiene obra en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), en diversas colecciones particulares y en numerosas instituciones nacionales e internacionales.

En esta muestra se exhiben, además, algunas fotografías icónicas de otros cuerpos de trabajo en la misma línea de modernidad, como Color del sur, Informalismos, El viaje o Mi sombra y yo. La Briseña fue su última serie estructurada como tal, aunque la inconfundible figura de Pérez Siquier, “el americano” como era conocido entre algunos lugareños, no dejó de acompañar ni un solo día a sus vecinos de las playas, barrios y calles de la costa almeriense. Como a él mismo le gustaba decir: “Moriré con las fotos puestas”, y así lo hizo, poco antes de cumplir 91 años.

Flore define su universo poético y atemporal como un acto político, una forma de posicionarse frente a lo que Giorgio Agamben denomina “la oscuridad del presente”. A raíz de un largo viaje que la llevó de Saïgon a Sadec, de los ríos del Mékong a los arrozales del sur de la Cochinchina, surgió este cuerpo de trabajo, que se presenta por primera vez en España y que constituye una recreación de la juventud en Indochina de Marguerite Duras. Un periplo de largo recorrido en el que Flore, por su propia historia familiar, por su conocimiento íntimo de los lugares y escritos de la autora francesa, no podía ser mejor intérprete de la mitología de Duras. Como resultado, una hermosa colección de fotografías tomadas analógicamente en blanco y negro, positivadas por la propia autora y coloreadas mediante procesos artesanales de virado químico. El enmarcado con filo de plomo y cristal museo es también una realización artesanal de la fotógrafa de origen español.

Los lugares de Vari Caramés son lugares de la memoria, recuerdos, guiños a las personas que le han acompañado. Algunos de estos lugares representan ensoñaciones, mientras que otros reflejan localizaciones reales que, afirma Vari “aun así me interesan”. Tal es su desapego de la concreción y la realidad. Como en todo su trabajo, se nutre de lo cotidiano para plasmar la incertidumbre, lo imposible. Y nos cuenta quién es él, cuáles son las cosas que le conmueven y le emocionan, las personas que están y han estado junto a él para dar sentido a su existencia. Ellas, a quienes homenajea en este muro.

Con su lenguaje teatral, sus imágenes sumergen al observador en una especie de ensueño cargado de significados ocultos, cuya interpretación deja abierta a la imaginación de quien las contempla.  Vari Caramés se nutre de lo cotidiano para plasmar la incertidumbre. Y para contarnos quién es él, cuáles son las cosas que le conmueven y le emocionan.